Τexto en griego (sigue el programa de los espectáculos en español)
Της Μαρίας Διαμαντοπούλου.
Το 56ο Φεστιβάλ της Μέριδα που θα διεξαχθεί από τις 16 Ιουλίου έως τις 29 Αυγούστου στο Αρχαίο Ρωμαϊκό Θέατρο της Μέριδα (Teatro Romano de Mérida) θα φιλοξενήσει, στο σύνολο των παραστάσεων του, τέσσερις αρχαίες ελληνικές παραστάσεις, τις οποίες το ισπανικό – κυρίως – κοινό θα έχει την ευκαιρία να προσεγγίσει και να εμπνευστεί από τα έργα του αρχαίων Ελλήνων δραματουργών μας. Έργα που συνεχίζουν στην εποχή μας να προκαλούν σκέψεις και συναισθήματα με τη θεματολογία τους, με τις πανανθρώπινες αλήθειες τους αγγίζοντας ακόμα και θεατές με διαφορετική κουλτούρα.
Πιο συγκεκριμένα, μετά τη Μήδεια (Μedea), την χορευτική παράσταση του Δημήτρη Παπαϊωάννου (16 &17 Ιουλίου) που παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στην Ισπανία, 20 & 21 Ιουλίου, ο Alessandro Baricco ανεβάζει την Ομήρου Ιλιάδα (Ilíada “Homero, Ilíada”) σε σκηνοθεσία και διασκευή του Tom Bentley-Fisher και μετάφραση του Xavier González Rovira.
Ο σκηνοθέτης αναφέρει ότι αν εξαιρέσουμε τους θεούς στο έργο, και αν σκεφτούμε επίσης ότι σήμερα υπάρχουν συγκρούσεις σε πολλά μέρη του κόσμου, τότε η Ιλιάδα αποτελεί μια πολύ ανθρώπινη ιστορία εξαιρετικά επίκαιρη. Το έργο εξετάζεται μέσα από τα μάτια των γυναικών οι οποίες δεν μένουν αμέτοχες αλλά αντιδρούν και αγωνίζονται για να βρούν μια λύση σε αυτόν τον πόλεμο.
Ακολουθεί, στις 23, 24 και 25 Ιουλίου, ο Προμηθέας Δεσμώτης του Αισχύλου (Prometeo de Esquilo) σε διασκευή του Heiner Muller και σκηνοθεσία της Carme Portacelli.
Στον Προμηθέα Δεσμώτη, ο θεατής αναρωτιέται εάν τελικά άξιζε τον κόπο ο αρχαίος ήρωας να κλέψει την φωτιά και να την παραδώσει στους ανθρώπους για να δημιουργήσουν πολιτισμό.
Από τις 29 Ιουλίου μέχρι την 1 Αυγούστου. Επίσης στις 3 & 8 Αυγούστου το Φεστιβάλ παρουσιάζει τη Λυσιστράτη του Αριστοφάνη (Lisístrata de Aristófanes) σε μετάφραση – διασκευή Joaquín Oristrell και σκηνοθεσία Jérôme Savary .
Στη μοναδική αυτή τολμηρή παράσταση που χαρακτηρίζεται δικαίως εξαιρετικά σύγχρονη θα συμμετέχουν τουλάχιστον 90 ηθοποιοί.
Ο Joaquín Oristrell προσθέτει ακόμα:
Esta es también una obra pacifista, terriblemente actual. Nunca, desde que existe la especie humana, hubo tantas guerras, tanta violencia, tantos horrores. Ojalá hoy en día la mujeres pudieran, como hace dos mil años, y como en la obra de Aristófanes, hacer una huelga de sexo para que amanezca por fin, la paz.
Τέλος, από τις 19 έως τις 22 Αυγούστου, ο Benito Pérez Galdós παρουσιάζει την Ηλέκτρα (Electra ). Σκηνοθεσία Ferran Madico. Ένα έργο που προσαρμόζεται τέλεια στη σύγχρονη εποχή μας. Όπως αναφέρει ο Benito Pérez Galdós στο έργο παρατηρείται μία διαρκής πάλη του ανθρώπου, εκείνη του να κατακτήσει την ελευθερία της συνείδησης του.
Ποιά είναι όμως η σχέση του έργου του με την αρχαία ελληνική τραγωδία;
Pero Electra es al mismo tiempo, una pieza de teatro épico, que aunque lleve implícita en su epidermis el folletín, tiene alma de tragedia. Sus personajes, que en una lectura superficial pudieran parecer huecos, dibujos de un solo trazo, resultan ser arquetipos. ¿Y no es acaso el hecho de sustentarse en el arquetipo lo que da dimensión épica a los personajes en su capacidad de ser eternos?
Πληροφορίες στο festivaldemerida.es
Το Αρχαίο Ρωμαϊκό Θέατρο που μέχρι σήμερα διατηρείται σε εξαιρετική κατάσταση θεωρείται το έμβλημα της Μέριδα. Άρχισε να κατασκευάζεται το 18ο αιώνα π.χ. από τον Αγρίππα.
Con el verano llega el Festival de Merida
Ilíada, basada en “Homero, Ilíada” de Alessandro Baricco. 20 y 21 de julio – 23 h
Adaptación y dirección: Tom Bentley-Fisher
Traducción: Xavier González Rovira
Dramaturgia: Tom Bentley-Fisher y Elisabet Ráfols
Espacio escénico y vestuario: Montse Amenós
Iluminación: Sylvia Kuchinow
Ayudante de dirección: Joan María Segura
Actrices: Mercè Anglès, Mercè Arànega, (Premio Nacional de Teatro 2010-Conca) Muguet Franc, Anna Güell y Àngels Sánchez.
Producción: Q-ars-Teatre en coproducción con Grec de Barcelona, Caet y Caer, y con la colaboración de la Biblioteca de Catalunya, Sala Muntaner, Tant per Tant, y Bodega Maset del Lleó. Compañía subvencionada por el ICIC.
Hace un tiempo pensé que sería hermoso leer en público, durante horas, toda la Ilíada. Pero enseguida comprendí que, en realidad, tal y como estaba, el texto era ilegible. Así que pensé en intervenir para adaptarlo a una lectura pública.
He suprimido fragmentos. Eliminado repeticiones y vaciado un poco el texto. He intentado no resumir nunca, más bien crear secuencias más concisas a base de secciones originales del poema. De manera que los ladrillos son de Homero, pero la pared resultante es más esencial.
Corté todas las apariciones de los dioses. Son tal vez las partes más ajenas a la sensibilidad moderna y a menudo rompen la narración. La ilíada tiene una fuerte osamenta laica. Muestra una obstinación sorprendente en buscar una lógica de los hechos que tenga al hombre como único artífice, si sacamos los dioses del texto, queda una historia humanísima en la cual los hombres viven su propio destino.
También he intervenido en el estilo. He intentado eliminar todas las asperezas arcaicas. Luego busqué un ritmo, la coherencia de un paso, la respiración de una velocidad particular y de una lentitud especial. Lo hice porque creo que acoger un texto, que viene desde tan lejos significa, sobre todo, cantarlo con la música que es nuestra.
Y por último, he pasado la narración en primera persona. Elegí una serie de personajes de la Ilíada y les hice relatar la historia, sustituyendo con ellos al narrador externo, homérico.
Alessandro Baricco
Todo empezó en un día de violencia
El texto de la Ilíada es nuestro punto de partida.
¿Por qué se explica esta historia una y otra vez? Quizá porque siempre es actual. Estamos en tiempos de guerras, hay conflictos en muchos lugares del mundo, territorios ocupados como la ciudad de Troya.
La obra se ve a través de los ojos de unas mujeres que examinan la guerra con claridad para intentar entenderla de otra manera, para intentar encontrar los motivos. Estas mujeres no son víctimas, sino que se esfuerzan por llegar a una solución.
Queremos explorar la vida interior de la obra y descubrir qué hay en la propia historia que tiene la elegancia y la percepción para guiarnos hacia a una nueva comprensión de la paz.
¿Cómo debe ser la vida, sabiendo que en cualquier momento puede caer una bomba, cuando parece que la guerra no se va a terminar nunca? ¿Cómo debe ser parir, sabiendo que la guerra fuera de los muros les devorará a los hijos de la misma manera que les devora a los maridos? Me interesa ver cómo el nacimiento y la muerte están íntimamente relacionados. Me interesa ver cómo la guerra es un resultado directo de las relaciones y características interiores humanas.
La Ilíada es una de las historias más violentas y más masculinas que nunca se hayan escrito. Hacer que nos la muestre un grupo de mujeres es un reto que remueve tanto nuestra imaginación como nuestra conciencia.
Tom Bentley-Fisher
Es director, profesor y dramaturgo. En los 30 años de carrera ha sido director artístico de tres teatros canadienses y ha ganado reputación nacional en el desarrollo y dirección de teatro canadiense contemporáneo. Su primera actividad en teatro fue como actor. Estudió en el London Drama Centre y trabajó unos años en el West End. En los años 90, subvencionado por el Saskatchewan Arts Board, viajó por todo el mundo y trabajó con algunas de las compañías de teatro más innovadoras de Europa y Asia. Durante su estancia en San Francisco, Tom ha dirigido su escuela de interpretación y ha continuado trabajando como director. También ha sido director del programa internacional de dramaturgia del Aurora Theatre de Berkeley. El próximo año regresará a San Francisco para dirigir el estreno en EUA de “¡Uuuh!” de Gerard Vàzquez. Actualmente vive en Canadá y es el director artístico de la compañía Tant per Tant.
Prometeo de Esquilo/Heiner Müller: 23, 24 y 25 de julio – 23 h
Dirección: Carme Portaceli
Traducción: Adan Kovacsis
Dramaturgia: Pablo Ley y Carme Portaceli
Espacio escénico: Paco Azorín
Música y dirección musical: Dani Nel·lo
Arreglos: Jordi Prats
Vestuario: Antonio Belart
Iluminación: Maria Domènech (a.a.i.)
Ayudante de dirección: Mercé Vila Godoy, Víctor Sánchez y Ángel Ordaz
Actores: Carme Elias, David Bages, Lluïsa Castell, Gabriela Flores, Llorenç González, Pepa López, y Albert Pérez
Músicos: Dani Nel·lo, Jordi Prats, Anton Jarl y Miquel Àngel Cordero
Producción: Centro Dramático Nacional, Grec 2010 Festival de Barcelona y FEI Factoria Escénica Internacional
Prometeo
Nos tendremos que preguntar si realmente valía la pena haber dado el fuego a estos humanos o si quizá hubiera valido la pena exterminarlos y devolverlos a su estado previo a la cultura.
Zeus, el tirano, que acaba de subir al poder quiere volver a convertir a los humanos en una especie de animales.
Prometeo roba el fuego a los dioses para entregárselo a los mortales; les enseña las letras, los números, el uso del fuego para la industria, el uso de las plantas para curar enfermedades… y los convierte en seres conscientes y cultos. Se ha levantado contra el poder y ahora es una víctima de Zeus, castigado eternamente a sufrir aislado del mundo, como muestra de lo que le sucede con alguien que se rebela contra el que está más arriba.
Heiner Müller, uno de los autores más importantes y más comprometidos del siglo XX, hace una traducción tan totalmente fiel del Esquilo griego, que finalmente la ha convertido en una versión llena de contradicciones, de miedos, de soberbia… de todos los sentimientos que sufrimos los humanos.
Con nuestra dramaturgia entendemos que este es el conflicto de “ARRIBA” y que la resolución de este conflicto, antiguo como el principio de nuestra civilización, tendrá unas consecuencias “ABAJO”, el sitio donde están los humanos, ahora ya con el fuego, las letras, la medicina…en definitiva, la conciencia.
Si hoy apareciera un Prometeo, los humanos haríamos lo mismo que han hecho los dioses, castigarlo a su silencio.
Nos tendremos que preguntar si realmente valía la pena haber dado el fuego a estos humanos o si quizá hubiera valido la pena exterminarlos y devolverlos a su estado previo a la cultura.
Carme Portaceli
Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona. Profesora de Dirección y de Interpretación en el Institut del Teatre de la Diputació de Barcelona.
Últimos montajes:
L’Auca del senyor Esteve de Rusiñol.Teatre Nacional de Catalunya.
4 Febrero 2010. Barcelona.
Te doy mis ojos de Iciar Bollain y Alicia Luna. Teatro Dramático de Vietnam – FEI. 5 Noviembre 2009. Hanoi.
Ricard II de William Shakespeare.
FEI – Factoria Escènica Internacional. Nau Ivanow. Marzo 2009. Barcelona.
Así que pasen cinco años de Federico Garcia Lorca.
Companyia TET de Caracas (Venezuela). Asociación Cultural Humboldt. Caracas. Venezuela. 27 de Noviembre de 2008. Caracas.
Heiner Müller
(Eppendorff, 1929-1995) Dramaturgo alemán. Su teatro se inspira tanto en temas de actualidad (la invasión rusa de Budapest y de Praga, la instalación de los misiles Pershing en la ex RFA) como en los grandes mitos clásicos (basados en Sófocles, Esquilo o Shakespeare). Destacan en su producción Filoctetes, Medea material (1966), Prometeo (1969) y Hamlet-Machine (1975).
Carme Elías
Últimos trabajos:
Cine: “Camino” – Dir. Javier Fesser
Goya a la Mejor Actriz Protagonista
Mejor Actriz Protagonista por la Unión de Actores
Premio Sant Jordi 2009 de RNE
Premio Butaca – Mejor Actriz Catalana de Cine
Premio Turia a la Mejor Actriz española
Premio a Mejor Actriz – Semana del Cine y de la Imagen de Fuentes de Ebro (SCIFE)
Televisión:
“Gavilanes” – Antena 3
“Herederos” – TVE
Teatro:
“La casa de los corazones rotos” – Dir. Josep María Mestres
Nominacíon – Premio Butaca – Mejor Actriz Catalana de Teatro
“Edipo rey” – Dir. Jorge Lavelli
“El rey Lear” – Dir. Miguel Narros
“84 Charing Cross Road” – Dir : Isabel Coixet
“La gaviota”- Dir. Amelia Ochandiano
Lisístrata de Aristófanes, estreno y representaciones en exclusiva en el Festival de Mérida 29 de julio al 1 de agosto y del 3 al 8 de agosto – 23 h
Dirección: Jérôme Savary
Versión: Jérôme Savary y Joaquín Oristrell
Traducción: Joaquín Oristrell
Vestuario y espacio escénico: Elisa Sanz
Productora delegada: Mercedes Pascual (Anexa)
Actores: Paco León, Eleazar Ortiz, Carla Antonelli, Richard Collins Moore, Santi Senso, Fernando Otero, Ángel Ruiz, Emilio Gavira, Iñaki Arana, J. Carlos Castillejo, Josep Ferré, J. Pedro Schwartz, Andrea Alvites, Dédée Cuevas y Aitzol Araneta, más 20 figurantes y la Banda Municipal del Excmo. Ayuntamiento de Mérida.
Producción: Centro de producción del Festival de Mérida
Agradecimientos: Teatro Español y Teatros del Canal
LISÍSTRATA
El Teatro romano de Mérida es el más impresionante teatro antiguo que conozco, quizás sólo Orange podría competir. Dirigir una obra en este escenario mágico es un honor inmenso.
Lisístrata es una comedia increíblemente moderna. Es una obra feminista, y muy atrevida. Pocas obras tratan la sexualidad de forma tan libre.
Hace dos mil años sólo los hombres actuaban en el teatro antiguo. Paco Suárez me propuso retomar esa forma antigua de hacer la representación. Acepté, a condición de que el Coro femenino fuera interpretado por «hombres raros», es decir, por hombres que un día descubrieron que eran mujeres, o que simplemente decidieron que querían ser mujeres.
Todos los hombres tienen una parte femenina, y en todas las mujeres podemos encontrar algo de los atributos del hombre.
Se habla mucho del órgano sexual masculino en esta obra. Mi propuesta y mi apuesta es no mostrar ni uno en escena. Prefiero sugerir, eso me parece mucho más gracioso. Soy un viejo padre de una niña de nueve años y quiero que mi hija se divierta viendo esta Lisitrata sin que se sienta chocada o agredida en ningún momento. Por supuesto todo niño sabe que el papa o el hermano tiene un «pitito», pero me parece más sutil la sugerencia que una evidencia que puede fácilmente llegar a la provocación y a la vulgaridad.
Esta es también una obra pacifista, terriblemente actual. Nunca, desde que existe la especie humana, hubo tantas guerras, tanta violencia, tantos horrores.
Ojalá hoy en día la mujeres pudieran, como hace dos mil años, y como en la obra de Aristófanes, hacer una huelga de sexo para que amanezca por fin, la paz.
Jérôme Savary
Nació en Argentina en 1942, de padre francés y madre americana. Se traslada a vivir a Francia y, en París, estudia música en la escuela Martenot con la ambición de convertirse en músico de jazz e ingresa en la Escuela de Artes Decorativas.
En 1965, funda su primera compañía teatral: Le Grand Magic Panic, rebautizada en 1968 como Le Grand Magic Circus et ses Animaux Tristes. De 1982 a 1985, dirige el Centro Dramático Nacional de Languedoc-Roussillon en Béziers y Montpellier. De 1986 a 1988, dirige el Carrefour Européen du Théâtre du Villéme en Lyon. En 1988, es nombrado director del Teatro Nacional de Chaillot, puesto que ocupará hasta su nombramiento como director de la Opéra Comique en el año 2000.
Además, Jérôme Savary ha realizado la dirección escénica de más de 120 espectáculos tanto teatrales como operísticos
Joaquín Oristrell
Guionista, productor y director de cine y televisión. Sus guiones más destacados son los de las películas Alegre ma non tropo (1994) y El efecto mariposa (1994), de Fernando Colomo; y Boca a boca (1995), de Manuel Gómez Pereira, filme que también produjo.
En los años 90 intervino en las series televisivas Chicas de hoy en día (1990), de Fernando Colomo y Todos los hombres sois iguales (1994–1998), ya realizada por Jesús Font. Esta última serie había sido dirigida años antes por Gómez Pereira, con quien Oristrell codirigió en el programa televisivo El destino está en tus manos (1995).
En 1997 filma su primer largometraje, De qué se ríen las mujeres, a partir de un guión de Gómez Pereira y Yolanda García Serrano. La película fue protagonizada por Verónica Forqué, Candela Peña y Adriana Ozores.
Paco León
Nacido en el barrio sevillano de Alcosa en 1974, es principalmente conocido por la serie de televisión Aída que emite la cadena Telecinco, también ha trabajado en el programa de Antena 3 Homo zapping, imitando a diferentes personajes populares de la televisión en España, así como en un par de episodios de Siete Vidas, interpretando a dos personajes distintos.Su primera incursión en televisión fue en 1999 en Canal Sur, en la serie Castillos en el Aire, donde interpretaba a un simpático recepcionista.
En 2006, fue candidato a los TP de Oro, candidatura que repetiría en 2007 y 2008, y a los premios Fotograma de Plata que también repetiría en 2007 (esta vez como ganador) y en 2008 con doble candidatura al mejor actor de televisión y mejor actor de teatro por la obra ¿Estás ahí?.
Electra de Benito Pérez Galdós19 al 22 de agosto – 23 h
Dirección: Ferran Madico
Adaptación: Francisco Nieva
Escenografía: Alfonso Barajas
Iluminación: Juan Gómez Cornejo
Vestuario: María González
Videoescena: Álvaro Luna
Música: Oscar Roig
Movimiento de actores: Sol Picó
Dirección y producción ejecutiva: Dania Dévora
Actores: Sara Casasnovas, Miguel Hermoso, Maru Valdivielso, Sergio Otegui, Antonio Valero, Pep Molina, Chema Muñoz, Luifer Rodríguez, José Conde, Isabel Prinz, Irma Correa, Antonio Requena, Mari Carmen Sánchez y Marta Gómez
Una producción de Teatro Pérez Galdós/ Las Palmas de Gran Canaria
Producción: DD&Company Producciones
ELECTRA
Entrar en el vastísimo mundo de Galdós sigue siendo hoy algo impresionante. Penetrar en su obra dramática es todo un descubrimiento al contemplar los impulsos de un hombre comprometido con su tiempo, que eso es, precisamente, lo que lleva a Galdós a escribir, narrar, dialogar. Su fin último es el de dejar testimonio de la Europa que él conoció, de levantar acta de la España en la que él vivió. Galdós plasma no ya la sociedad finisecular, sino las emociones, las convulsiones, los debates de aquellos que, como él, vivían las transformaciones de una sociedad que, inevitablemente, iba fragmentándose y oponiéndose en bandos enfrentados a grupos que, cada cual según sus ideales, aspiraban al mejor futuro posible, a conseguir una España diferente.
En medio de este mapa emocional, tan bien inventariado a lo largo de toda su obra, Galdós consigue con Electra, lo más difícil del teatro: convulsionar el presente. No es el pasado ni es el futuro, sino lo más difícil: el presente, el reto del presente más inmediato.
Galdós, con Electra, sacudió la sociedad española del 1901 y, junto con el retrato realizado de aquella España, que en algunos aspectos, muchos, es la de hoy, logró, entre otras cosas, que al nuevo gobierno de la época se le conociera como Gabinete Electra.
Cien años después, lo maravilloso de Galdós, para mí, es descubrir la fuerza de un creador que es al mismo tiempo un notario de su época. En Electra consigue dejar constancia de la conciencia del país, del predominio de las viejas clases dominantes, pero también de las nuevas clases emergentes llamadas a construir el futuro.
Electra es al mismo tiempo, una historia de pasiones, de situaciones opresivas, de incipientes conflictos políticos. En ella vemos retratada a la mujer decimonónica abocada ya a la modernidad imparable del s.XX. Es un fresco ideológico de la clase gobernante con su desidia y su vulnerabilidad. En Electra encontramos la manifestación de la firme voluntad de instaurar el Realismo en las artes escénicas –siguiendo la corriente de los movimientos europeos–, así como la disección más veraz de la sociedad de la Restauración.
Pero Electra es al mismo tiempo, una pieza de teatro épico, que aunque lleve implícita en su epidermis el folletín, tiene alma de tragedia. Sus personajes, que en una lectura superficial pudieran parecer huecos, dibujos de un solo trazo, resultan ser arquetipos. ¿Y no es acaso el hecho de sustentarse en el arquetipo lo que da dimensión épica a los personajes en su capacidad de ser eternos?
Analizando la obra en su contexto sociopolítico, descubrimos en su telar una tesis de gran calado histórico. Es un fresco épico –como lo puedan ser sus novelas históricas sobre Trafalgar o Gerona– donde vemos la potente expresión del discurso sobre la lucha del ser humano en su conquista de la “libertad de conciencia”. La historia que narra Galdós puede y debe –a fecha de hoy– tomar dimensión de metáfora y, Electra extrapolando de lo concreto a lo universal -como ya reivindicaran los naturalistas–, debe ser leída hoy como una reflexión concisa y contundente sobre la realidad española que, originándose en la controvertida España decimonónica atravesó prácticamente todo el siglo XX hasta la transición democrática. El retrato de un enfrentamiento de poderes ideológicos que, tal vez, aún continúa.
Ferrán Madico
Desde el año 2003 Ferrán Madico se dedica de forma exclusiva a la dirección escénica de obras teatrales y espectáculos como Segona Plana de Jaume Boix (Teatro Villarroel, 2003), Celobert de David Hare (Teatre Romea, 2003), Comedias bárbaras de Valle-Inclán (2003), Otel.lo i Molt Soroll de William Shakespeare (Versus Teatre, 2004), Ángel Corrella & Shakespeare (Festival Shakespeare de Santa Susana, 2004), Casa i jardí de Alan Ayckbourn (Centre d’Arts Escèniques de Reus CAER, 2005), Shakespeare’s Night (Espectáculo inaugural de la Sala Muntaner de Barcelona, 2006), Tornar a casa de Harold Pinter (CAER y T.N.C., 2007), My Zinc Bed de David Hare (CAER, 2008) y Regreso al hogar de Harold Pinter (Teatro Español de Madrid, 2009).
Francisco Nieva
Resumir la larga y brillante trayectoria teatral de Francisco Nieva es un empeño difícil Habría que dedicarle una revista completa. Sólo bastaría decir que se trata de uno de los grandes creadores europeos del teatro contemporáneo y considerarlo como uno de los maestros indiscutibles del siglo XX.
Sara Casasnovas
Destaca por su participación en la serie El Comisario en el papel de Natalia y en Amar en tiempos revueltos, interpretando el personaje de Alicia Peña. Con este mismo personaje participa en el episodio especial ¿Quién mató a Hipólito Roldán? (2009).